Por: Juana Peña

Roberto Carlos, antes de convertirse en el ícono de la balada romántica, fue uno de los pioneros del rock en Brasil durante los años 60. Lideró el movimiento juvenil Jovem Guarda, un fenómeno cultural que electrificó al país, caracterizado por un estilo influido por el rock and roll, el surf rock y el garage rock.

Este movimiento nació impulsado por el programa de televisión Jovem Guarda, muy popular en la época y presentado por Roberto Carlos, Erasmo Carlos y Wanderléa. El programa se convirtió en el epicentro de un estilo de vida que definía la moda, el lenguaje y, por supuesto, la música de toda una generación.

Brasil vivía entonces bajo una dictadura militar y un clima intelectual profundamente politizado. Mientras una parte del ambiente universitario utilizaba la música como vehículo de denuncia social, la Jovem Guarda desarrolló un discurso centrado en la experiencia juvenil, el consumo cultural y los cambios en las costumbres. Sus letras, enfocadas en el romance, la vida cotidiana y los símbolos de modernidad, fueron objeto de críticas por parte de sectores más politizados.

Sin embargo, la popularidad del movimiento y su presencia constante en la televisión lo convirtieron en una de las expresiones culturales más influyentes de la década. Para millones de jóvenes, la Jovem Guarda representó una identificación generacional y una forma de participación cultural en un contexto de restricciones y tensiones sociales.

Mira este Extracto de la actuación de Roberto Carlos en Portugal, en su primera aparición en vivo en la televisión portuguesa RTP, en el programa Canção É Espetáculo, presentado por Pedro Moutinho, interpretando “O Calhambeque”, de su álbum É Proibido Fumar, lanzado originalmente en 1964 por CBS en Brasil. Esta es la segunda de dos partes del espectáculo, presentado hace 60 años, el 21 de abril de 1966.

                                        

Por: Juana Peña

‘El Baquiné de Angelitos Negros’ fue un especial televisivo de gran impacto cultural, emitido por primera vez el 9 de abril de 1977 a través de WNET, la estación neoyorquina afiliada a PBS. Esta producción fue realizada por Latino Broadcasting Service para la serie ‘Realidades’ de WNET-TV, en cooperación con Fania Records. Presentó una propuesta estética única que exploró la experiencia afrolatina en Estados Unidos, utilizando danza, música y poesía visual para abordar temas como el racismo, la muerte infantil y la espiritualidad caribeña.

La historia se centra en el velorio de un niño, el baquiné, y en el proceso interior que atraviesa su madre tras la pérdida. Con dirección de Mike Cuesta y coreografía de Juan Anduze, el especial contó con interpretaciones escénicas de Brunilda Ruiz y Héctor Mercado. A través de la danza moderna, el duelo se transforma en una experiencia ritual cargada de simbolismo, que combina la dimensión emocional con una crítica social latente. La propuesta marcó un precedente como el primer espectáculo de danza concebido y producido íntegramente por artistas latinos para la televisión pública nacional en Estados Unidos.

La música, compuesta, arreglada y producida por Willie Colón, fue central en la construcción atmosférica del especial. Lejos de la salsa convencional por la que Colón era conocido, esta banda sonora, publicada por Fania un día como hoy 31 de mayo de 1977, combina elementos de jazz latino, soul, boogaloo y arreglos sinfónicos para crear un paisaje sonoro introspectivo y experimental.

Por: Juana Peña

“Incomprendido” es una obra maestra de la salsa que, con el tiempo, terminó siendo una de las canciones más profundamente asociadas con Ismael Rivera. Aunque no fue escrita para él, su interpretación fue tan poderosa que la convirtió en una de las piezas más representativas de su legado. La canción fue compuesta por Bobby Capó y grabada por él mismo en 1970, dos años antes que Maelo. Su versión apareció en el álbum Querida / Bobby Capó Sings (BC-100), publicado bajo su propio sello, BCapó Records, con un arreglo en clave de bossa nova.

Capó compuso la canción en una etapa personal compleja, y se cree que el arreglo con toques de bossa nova pudo haber estado influenciado por su pareja sentimental de entonces, la brasileña María da Glória de Oliveira, oriunda de Belo Horizonte y 27 años menor que él.

Pero fue la interpretación de Ismael Rivera, incluida en el álbum Esto "Fue Lo Que Trajo El Barco", publicada un día como hoy 8 de julio de 1972, la que inmortalizó el tema. Con un arreglo salsero potente y cargado de emoción, la versión de Maelo se convirtió en un éxito rotundo. Fue uno de los temas que consolidó su popularidad como solista y resultó clave en el resurgimiento de su carrera. Gracias a él, “Incomprendido” dejó de ser una joya íntima para convertirse en un himno popular.

                                     

Por: Juana Peña

Uno de los boleros que mejor refleja la melancolía por la pérdida de un amor, sin duda, es ‘Ausencia’ de la legendaria dupla Willie Colón & Héctor Lavoe. Esta pieza es capaz de sumergirte en la película y hacer que sientas todo lo que siente el protagonista. Esta es su historia:

En otoño de 1969, Willie Colón se encontraba trabajando en su cuarta producción discográfica a la cual llamó ‘Cosa Nuestra’ (Our Thing), un nombre que servía para graficar, sin perder la temática mafiosa ensalzada en sus portadas, el contenido de aquella nueva producción de música latina que generaba muchas expectativas. Para entonces, ya había publicado, en la primavera de ese mismo año, su tercer disco ‘Guisando’ con buena aceptación en el ambiente neoyorkino y por esos días preparaba material para su nuevo álbum.

Cierto día, Willie Colón llegó a los antiguos estudios de grabación de Beltone en Manhattan, Nueva York, donde, por entonces, se grababan las producciones del sello Fania. Llevaba consigo varias ideas y un borrador con un fragmento de una canción que se grabaría con arreglos de bolero son. Se la presentó a Héctor Lavoe, el vocalista de su banda para saber su opinión. El joven cantante, tras leer lo escrito, empezó a balbucear parte de la letra que completaría la canción ‘Ausencia’ y, pronto, más detalles y pregones empezaron a fluir con gran facilidad.

Varios meses antes, Héctor había terminado su relación con Carmen Castro, la madre de su hijo mayor José Alberto, y se había mudado con Nilda Román, popularmente conocida como ‘Puchy’, quien por esos días había dado a luz a su hijo, Héctor Jr, y con quien posteriormente se casaría.

Algunas fuentes indican que el cantante se pudo haber inspirado en su ruptura con Carmen Castro para co-escribir la letra de ‘Ausencia’. Carmen incluso declaró alguna vez que Héctor, en cierta ocasión, le dijo: “Recuérdame con la canción Ausencia”. Por otro lado, algunos investigadores y coleccionistas de Héctor Lavoe afirman que esta interpretación no se sustenta, pues el proceso de separación fue iniciado por Héctor; más bien, todo apunta a que la inspiración la obtuvo Lavoe de alguna desavenencia con ‘Puchy’, quien fue, como todos sabemos, el gran amor del cantante.

Lo cierto es que, en los míticos Estudios Beltone, a finales de 1969, se grabó uno de los boleros más bellos y sentidos de la música latina. Su autoría es acreditada por Fania Records a la inolvidable dupla conformada por Willie Colón y Héctor Lavoe. Poco después, en enero de 1970, la canción salió publicada en el álbum ‘Cosa Nuestra’, el cual tuvo un gran éxito en número de ventas, como reporta la revista Billboard y WKAQ ‘El Mundo’ de aquella época.

Por Juana Peña:

Durante años se habló de algo que parecía un mito. Me refiero a la existencia de un material de valor histórico incalculable que habría quedado guardado en unos depósitos de Fania Records. Hoy se sabe que no era un mito. Ese material sí existía y fue encontrado.

A mediados de los 2000, cuando el catálogo de Fania estaba en manos de Emusica, durante el desmantelamiento de antiguos estudios comenzaron a aparecer cajas olvidadas con grabaciones de las Fania All-Stars que nunca vieron la luz. También se hallaron cajas en depósitos cercanos al río Hudson, prácticamente abandonadas y cubiertas de polvo, que contenían grabaciones inéditas en audio y video de enorme valor histórico.

Se dice que en ese material había de todo: voces guía, canciones descartadas, tomas alternas de clásicos, pruebas de estudio de artistas que luego serían leyenda, discos completos que nunca se publicaron, material audiovisual nunca utilizado e incluso escenas descartadas de sus películas.

Incluso salieron a relucir conciertos completos, como el registro original del Roberto Clemente en 1973. Parte de ese material llegó a publicarse años después como "San Juan 73", pero una gran cantidad permaneció guardada sin explicación.

Hoy, con Concord como actual dueño del catálogo, vuelve a tomar fuerza la posibilidad de que ese tesoro finalmente vea la luz en el documental de Fania titulado Pa’l Pueblo Fania for the People, un proyecto que actualmente se encuentra en desarrollo y que ha sido anunciado por ellos mismos en sus redes sociales.

Aún no hay confirmación oficial sobre cuánto de ese material inédito será utilizado, pero todo apunta a que, después de décadas, el archivo perdido de Fania podría convertirse en una pieza clave de esta historia

Por: Juana Peña

A finales de los años 60, cuando Rubén Blades cursaba su primer año en la Facultad de Derecho y Ciencias Políticas de la Universidad de Panamá, dio forma a una canción que terminaría definiendo una parte fundamental de su obra: Pablo Pueblo, una pieza que anunciaba la temática social que marcaría gran parte de su repertorio. Por entonces, comenzaba a explorar la composición con una mirada social, inspirado por los cambios políticos y culturales de la época.

Fue en ese contexto cuando Rubén se enteró de que Piero Antonio De Benedectis, conocido artísticamente como Piero, el cantautor italoargentino que revolucionó la balada convirtiéndola en un género urbano con contenido social, estaba de visita en Panamá alrededor de 1969. Piero llegó al país para una presentación promocional de su éxito Mi Viejo, canción compuesta junto a José Tcherkaski y que había ganado gran popularidad en América Latina.

Rubén decidió ir al hotel donde se hospedaba Piero en Panamá, acompañado por su amigo Jaime Correa, a quien pidió que lo acompañara para darle valor en su propósito: con la guitarra en mano, mostrarle su canción Pablo Pueblo con la esperanza de que Piero la grabara.

La anécdota, contada años después por Blades, revela un momento clave. Tras una breve presentación y conversación, Rubén interpretó Pablo Pueblo para Piero. Al terminar, le preguntó si estaría interesado en grabarla, pero la respuesta lo sorprendió: “No”, dijo Piero. “Esa canción tienes que grabarla tú”. Al notar el desconcierto de Blades, agregó: “Así no seré el único diciendo estas cosas. Si tú la grabas, ya seremos dos”.

El consejo resultó decisivo. Aunque pasaron varios años, Pablo Pueblo fue finalmente grabada por el propio Rubén Blades, con arreglos de Luis "Perico" Ortiz, e incluida en el álbum Metiendo Mano, el primer trabajo conjunto con Willie Colón bajo el sello Fania Records, publicado el 26 de enero de 1977.

Desde entonces, la canción no solo se convirtió en un éxito, sino en una de las piezas clave que ayudaron a consolidar lo que más tarde se conocería como “Salsa Conciencia” o “Salsa Social”. Y aquel gesto de Piero, aparentemente simple, ayudó a encender una voz que terminaría resonando en toda América Latina.

                                        

Por: Juana Peña

En la psicología del color, el rojo suele asociarse con la pasión. Es un color intenso, directo y difícil de ignorar, capaz incluso de provocar reacciones físicas como el aumento del ritmo cardíaco. Por eso aparece con tanta frecuencia en portadas y diseños; no solo llama la atención, también transmite fuerza y emoción desde el primer momento. A diferencia de otros géneros más sobrios, la salsa siempre ha tenido una relación natural con lo visualmente intenso. En ese contexto, el rojo no solo destaca, sino que acompaña la fuerza del sonido, la teatralidad de las letras y la intensidad de las historias.

Más que una decisión estética, el uso del rojo en muchas portadas de salsa parece responder a una lógica más profunda. Hace visible, incluso antes de poner la aguja, la intensidad que el oyente está a punto de encontrar, con percusión potente, metales agresivos y letras con carga emocional.

A continuación, te invito a un recorrido por algunas de las portadas rojas más intensas y características de la salsa. Seguramente reconocerás más de una:

Después de recorrer estas portadas, queda claro que el rojo no es solo un recurso gráfico, es casi una extensión del propio sonido. Funciona como una advertencia y una promesa al mismo tiempo. Advierte que lo que viene es intenso, visceral, imposible de escuchar a medias; y promete una descarga emocional que, como el propio color, no pasa desapercibida. Quizá por eso, incluso antes de sonar el primer golpe de conga, muchas de estas carátulas ya nos están diciendo exactamente cómo se siente la música.